moxoed

Полезли безумцы.

http://roman-volkov.livejournal.com/804148.html

Тётки требуют запретить фильм "Ласковый май" - он, якобы, выставляет "негодяя" Разина в "пушистом виде". А на самом деле всё было "не так".
И, естественно, пользуются самым тупым способом - кляузами и жалобами батюшке.

Нечто абсолютно прекрасное!

Уф. Кажется, эпопея с Чеховским фестивалем закончилась. Больше не надо лопатить Сеть в поисках отзывов, вытаскивать народ со своими постами в сообщество. Краткий миг пересменки между проектами.
Можно пойти погулять в какой-нибудь сад, дышать воздухом, смотреть на прекрасных женщин...

Мэтью Боурн родился 13 января 1960 года в Лондоне. Танцем начал заниматься довольно поздно, учился в «Лабан Центре», после окончания год работал в труппе Центра. 14 лет выступал как профессиональный танцовщик, часто исполняя роли в своих постановках. В 1999 году последний раз выступил в партии Личного секретаря в «Лебедином озере» и с тех пор работает только как хореограф и режиссер.

В 1987 году создал свою первую компанию “Adventures in Motion Pictures” (AMP) и был ее художественным руководителем до 2002 года. Все эти годы этот театр был одной из самых популярных театрально-танцевальных компаний Великобритании. Мэтью Боурн – один из тех хореографов, которые известны не только в узком балетном кругу, но среди широкой публики. Он создает популярное искусство высокого класса. В АМР Боурн поставил более десяти спектаклей, среди которых «Щелкунчик», «Лебединое озеро», «Золушка», “The Car Man” и др. Эти спектакли были номинированы и отмечены многими премиями и наградами, среди которых Премии Оливье, Тони, Астера и др.

В 2002 году спектаклем «Пьеса без слов» начинается деятельность новой компании Мэтью Боурна “New Adventures”. Постановка с огромным успехом была показана в Нью-Йорке, Лос-Анжелесе, других городах, в Москве на Чеховском фестивале в 2005 г. С этой компанией Мэтью Боурн возобновляет некоторые старые спектакли и ставит новые. Среди них «Щелкунчик», “Highland Fling”, «Эдвард Руки-Ножницы» (удостоен премии Drama Desk Award), «Лебединое озеро», “The Car Man”.

Мэтью Боурн создает хореографию в мюзиклах «Оливер» (1994, Лондонский Палладиум), «Моя прекрасная леди» (премия Оливье) и “South Pacific” в Национальном театре, «Мэри Поппинс» в Вест Энде и на Бродвее (2005, премия Оливье). Среди постановок Мэтью Боурна-режиссера: «Как вам это понравиться» в Королевском Шекспировском театре, «Сон в летнюю ночь» Б. Бриттена на Фестивале в Экс ан Провансе, «Буря» в Национальном Молодежном театре, «Пер Гюнт» в Барбикан-Центре.

Боурн сотрудничает со многими ведущими театральными режиссерами, такими как Тревор Нанн, Ричард Эйр, Сэм Мендес и др.
Мэтью Боурн – Почетный член Лабан Центра, ассоциированный артист Сэдлерс Уэллс Тиэтр. В 2001 году он стал Кавалером Ордена Британской Империи.
Последняя «мощная постановка» Мэтью Боурна – «Дориан Грей», премьера которого состоялась в августе 2008 года на Эдинбургском фестивале.


x-post chehfest

КОМПАНИЯ «НЬЮ ЭДВЕНЧЕРЗ»
Лондон, Великобритания



дата: 28, 29, 30, 31 июля, 1 и 2 (14.00, 19.00)августа
площадка: Театр им. Моссовета
Продолжительность спектакля 2 часа с антрактом


Свободная интерпретация романа Оскара Уайльда

Замысел и постановка – Мэтью Боурн

Композитор – Терри Дэвис

Декорации и костюмы – Лез Бразерстоун

Свет – Поль Констебль

Хореография – Мэтью Боурн и труппа

Видеодизайн: Марк Гриммер, студия «Фифти Найн Продакшнз»

Звук – Пол Грутиус



( над спектаклем работали )

«Самый популярный хореограф Великобритании ведет нас за собой на территорию зла в этом ярко театральном спектакле. (…) Огромная и разнообразная зрительская аудитория Боурна с удовольствием последует за ним в ад и вернется».

“Observer”


«По сравнению с Оскаром Уайльдом, Боурн предлагает гораздо более захватывающий рассказ о падении Дориана. (…)
Это очень серьезная работа, которая, возможно, подтверждает, что на сегодняшний день он один из самых театрально мыслящих художников».

“Guardian”


«Боурн рисует исключительно современного Грея. (…) Это жесткий, приводящий в замешательство, комментарий о жизни современных популярных личностей, звезд, и о бесплодности гедонизма».

“Daily Express”


http://chekhovfest.ru/pages/viii-festival/dorian-grej.php

x-post chehfest

Робер Лепаж – один самых известных современных театральных художников. Режиссер, сценограф, драматург, актер и кинорежиссер, он черпает свое вдохновение в современной истории. Его творчество – яркое, ни на что не похожее – не знает границ. Созданные им спектакли не укладываются в канонические рамки традиционного театрального искусства – прежде всего потому, что он в высшей степени органично использует новые технологии.

Лепаж родился в городе Квебеке в 1957 году. В 1975-1978 гг. изучал театр в Квебекской консерватории драматического искусства. А затем посещал мастер-класс в школе Алена Кнаппа во Франции.

После нескольких лет работы в качестве автора, режиссера и исполнителя в независимых постановках Лепаж в 1982 году присоединился к Квебекской городской экспериментальной труппе – Театру Репер. Здесь в 1984 году режиссер создает спектакль «Движение», в котором сразу проявляется любимая тема – тема путешествий. В следующем году он ставит «Трилогию Драконов» – спектакль, быстро завоевавший международное призвание, показанный на крупнейших театральных фестивалях. Затем были поставлены спектакли «Винчи» (1986), «Полиграф» (1987-1990), «Тектонические пласты» (1988-1990). В этих постановках публика открывала художника, чей мощный визуальный и сильный технический и технологический стиль уравновешивался восстановлением ритуальной природы театра.

С 1989 по 1993 гг. Лепаж занимает пост художественного руководителя французского театра Национального центра искусств в Оттаве, где продолжает удивлять публику своими необычными спектаклями: «Иголки и опиум» (1991-1996), «Кориолан», «Макбет», «Буря» (1992-1994), «Сон в летнюю ночь» (1992). Благодаря этой, последней, постановке он стал первым североамериканцем, которому доверили ставить шекспировскую пьесу в Национальном Королевском театре в Лондоне.

( С 1990 г. Лепаж пробует свои силы в других жанрах )

x-post chehfest

EX MACHINA
Квебек, Канада
ТЕАТР БЕЗ ГРАНИЦ
Ньюкасл, Великобритания



дата: 25 и 26 (13.00 – 3 части), 28 (I часть), 29 (II часть), 30 (III часть) июля,
1 и 2 (13.00 – 3 части) августа
площадка: Театр «Мастерская П. Фоменко»
Общая продолжительность спектакля 9 часов


Режиссер – Робер Лепаж

Текст:
Фредерик Бедар, Карлос Белда, Ребекка Бланкеншип, Лиз Кастонги, Джон Кобб, Нуриа Гарсиа, Мари Жиньяк, Сара Кемп, Робер Лепаж, Рик Миллер, Ханс Писберген

Исполнители:
Фредерик Бедар, Карлос Белда, Ребекка Бланкеншип, Лайс Кастонгуе, Джон Кобб, Нуриа Гарсиа, Сара Кемп, Рик Миллер, Ханс Писберген.

Литературный консультант – Мари Жиньяк



( над спектаклем работали )

«Липсинк» это исследование человеческого самовыражения через голос, слово и язык. «Липсинк» это использование постсинхронизации, синтезаторов голоса, оперного пения, плача ребенка, различения голосов и многих других голосовых явлений. Суть работы в том, чтобы представить большую группу людей, чьи судьбы пересеклись, потому что им было суждено пересечься, и при этом каждый отдельный голос звучит неповторимо. По разнообразию своего стиля и полифоничности звучания «Липсинк» можно сравнить с наиболее амбициозными проектами американского кинорежиссера Роберта Альтмана, в которых частные истории людей вплетены в мировую историю человечества.

( Цитаты и вырезки из газет )

«Робер Лепаж поставил «Липсинк» как сагу о времени и о богооставленном человечестве. О людях, пытающихся зацепиться за эфемерное — за голос, за звук, за память. Герои в «Липсинке» время от времени задумываются о смысле сущего, но впроброс, как большинство из нас в жизни: Лепаж не только деликатен и снисходителен, но и чужд пафоса, все девять часов ему ни разу не изменяет вкус. И поэтому он может позволить себе потрясающую и очень рискованную финальную сцену, в которой под звуки божественного голоса своей приемной матери сын наконец принимает на руки тело никогда им не виденной матери настоящей. Получается словно бы Пиета наоборот, и кончается этот великий и долгий «Липсинк» падающей кистью маленькой женской руки — жестом одновременно бессильным и могучим».

«Коммерсант»


http://chekhovfest.ru/pages/viii-festival/lipsink.php

x-post chehfest

В 2005 году труппа снова гастролировала в Китае, представив спектакль “The Butterfly Lovers” на Шанхайском международном фестивале и на VII азиатском фестивале искусств, в 2006 году выступала в Швейцарии и Италии с постановкой “Master of Peking Opera” («Мастер Пекинской оперы»).

В целях распространения оперного искусства на уровне местных общин труппа создала “Guoguang Theatre”, который играет спектакли в выходные дни, предлагая их в качестве свободного времяпрепровождения для публики. Артисты труппы уверены, что для искусства классической китайской оперы не существует границ.

Труппа «Гуагуан» не только ищет новые темы и сюжеты для оперных постановок, но и стремится к расширению «пространства» своей деятельности, давая представления как сценах национальных театрах, так и в провинции, как правило, на открытых площадках перед местными храмами.


x-post chehfest

КИТАЙСКАЯ ОПЕРА ГУО ГУАНГ
Тайвань



дата: 22, 23, 24, 25 июля
площадка: Театр им. Моссовета
Продолжительность спектакля 50 мин. / 1 час 10 мин.

I.

«Король Обезьяна и Мышь Гоблин»

Режиссер – Ли Хсяо-пин

Художник – Фу Чун

Художник по свету – Джен Хуаи-мин

Исполнители:
Чу Ан-ли, Даи Хсин-яи, Ли Чаи-чи, Дзоу Дзу-аи, Хуанг Яи-юнг, Ву Джен-чиен, Пенг Чун-кан

Продолжительность – 50 мин.



( второй спектакль )

1 июля 1995 г. состоялось рождение первого на Тайване театра, играющего в традиции пекинской оперы и получившего название «Гуо Гуанг». Он был основан группой блестящих оперных артистов, прежде работавших в нескольких известных театрах Пекинской оперы. Существенную поддержку в создании этой труппы оказали национальные вооруженные силы. Открывая новую страницу в истории китайского оперного искусства, артисты «Гуо Гуанг» очень деликатно привносят в свои постановки приемы и элементы современного театра. Помимо традиционных опер, на сцене «Гуо Гуанг» ставятся современные произведения, в которых, тем не менее, отчетливо присутствуют черты классического оперного искусства Китая. Характерным примером такого подхода является «Тайваньская Трилогия», в основе которой – сюжеты национального тайваньского фольклора и которая состоит из трех спектаклей: “Mazu”, “Jheng Cheng-Gung and Taiwan” и “Liao Tian-Ding”.

( далее )

В 2003 году спектакль “Mu, Kuei-Ying” был представлен на Чеховском фестивале в Москве и получил высокую оценку зрителей и прессы. В 2004 году состоялись гастроли в Сингапуре и Китае. Спектакли “Journey Through Hell” и “Wang, Shi-Fong” с восторгом были приняты в Шанхае и имели феерический успех у знатоков пекинской оперы в столице Китая.


http://chekhovfest.ru/pages/viii-festival/kitajskaa-opera-guo-guang.php

x-post chehfest

Пина Бауш поставила более 50 спектаклей, награждена многочисленными премиями в Германии, Италии, Франции, Японии, Великобритании, Испании, Португалии, США, Канаде, Турции, России, Чили, Премиями ЮНЕСКО и Европейского Союза. Она – бесспорно один из выдающихся хореографов мира, один из самых самобытных режиссеров, создавшая новый театральный язык и свой неповторимый театр. «Революция, которую она вместе со своим театром столь нежно, но беспощадно совершила в театре танца, стала легендой, как и она сама» («Танцнетц»). Более 35 лет удивлять, ошеломлять и влюблять в свои творения публику всех стран мира – это ли не подтверждение того, как востребовано ее искусство? В этом же и проявление ее живогo интересa к культурам других народов.

Пина Бауш родилась в 1940 году в г. Золинген в Германии. С 1955 года занималась в Высшей школе музыки, театра и танца Фолькванг в Эссене у знаменитого Курта Йосса. По окончании этой школы продолжила учебу в США, стажировалась в Джульярдской школе в Нью-Йорке, посещала мастер-классы Хосе Лимона, Энтони Тюдора, Альфредо Корвино и др. Выступала с американскими труппами, танцевала на сцене «Метрополитен Опера».

В 1962 году, по приглашению Курта Йосса, возвращается в Германию, работает в его труппе «Балет Фолькванг», много гастролирует, участвует в фестивалях, сотрудничает с разными хореографами. С 1969 по 1973 год Пина Бауш – художественный руководитель, хореограф и солистка «Балета Фолькванг». Она много танцует, ставит, преподает. В 1973 г., по предложению интенданта «Вупперталер Бюнен» возглавляет танцевальную труппу этого театра. Так возник знаменитый «Танцтеатр Вупперталь». Пина Бауш поставила два условия: «привести с собой танцоров из «Фолькванга» и снять из репертуара постановки «Щелкунчика» и «Спящей красавицы». Репертуар строился на нетрадиционной основе – то на поп-музыке, то на музыке Кристофа Глюка или Густава Малера. Непривычное понимание того, что такое театр танца, ошеломило. Появились артисты в обычной одежде или совсем без нее, танцовщицы в туфлях на шпильках, тексты Брехта или просто бытовые разговоры, сцена, покрытая ковром из цветов в «Гвоздиках» или шеренги сеятелей мусора в «Палермо, Палермо».

В 90-е годы театр осуществляет идею Пины Бауш о создании спектаклей, которые «выращивались» в отдельных местах и городах мира. Актеры забирались в различные уголки того или иного города – от блошиных рынков до фешенебельных районов. Всё увиденное переплавлялось и превращалось в неповторимые спектакли. Из Будапешта привезли «Страну лугов», «Мойщик окон» родился в Гонконге, «Мазурка Фого» – в Лиссабоне, “Agua” – в Бразилии.

Спектакль «Семь смертных грехов» впервые поставлен в 1976 году. В ноябре 2008 состоялась премьера возобновленного спектакля. Его Пина Бауш и привозит в Москву на Чеховский фестиваль. Это – пятый приезд хореографа и её театра в Россию.


x-post chehfest

ТЕАТР ТАНЦА ВУППЕРТАЛЬ П/Р ПИНЫ БАУШ
Германия



дата: 15, 16, 17, 18 июля
площадка: Театр им. Моссовета
Продолжительность спектакля 2 час 30 мин. с антрактом


Вечер танца в постановке Пины Бауш

Тексты Бертольта Брехта

Музыка Курта Вайля

Музыкальный руководитель и дирижер – Ян Mихаэль Хорстманн

Постановщик и хореограф – Пина Бауш

( над спектаклем работали )

Вырезки из газет

«Вечер танца, который отнюдь таковым не является. Пина Бауш и ее театр танца показывают самое разрушительное зрелище, которое когда-либо можно было увидеть на немецкой сцене. И, конечно, делают это сознательно. Оно не только скупо на юмор и размах, но и бедно внешним блеском. Оно крайне бедно, бесконечно печально, и все же заряжено огромной энергетической силой. (…) Если у Брехта были семь смертных грехов, то у Пины Бауш остался только один: торговля женским телом. Речь идет здесь все о той же вечной теме – деградации женщины до продажного объекта наслаждения, который можно заполучить то лестью, то силой. Но и к эмансипации это не имеет никакого отношения. С мазохистской самоотдачей наслаждается постановщик подлостью мира и отношений в нем. А отсюда возникает давящая грязная эротика вплоть до балета трансвеститов».

“Die Welt”

( дальше )


Московский Симфонический Оркестр, первый независимый оркестр в России, существующий без государственной поддержки, был создан в 1989 году.
Среди дирижеров, с которыми имел честь выступать оркестр — А. Кац, И. Панула, А. Анисимов, И. Головчин. В концертах МСО принимали участие такие звёзды мировой музыкальной сцены, как Ю. Башмет, В. Третьяков, В. Репин, В. Виардо, А. Князев, А. Рудин и многие другие. С 2000 года художественным руководителем и главным дирижером Московского Симфонического Оркестра является Владимир Зива. Высокий профессионализм в исполнении классического и современного репертуара, инновационный подход сделали оркестр широко известным не только в России, но и за рубежом. Его выступления по достоинству оценила публика Японии, США, Кореи и стран Западной Европы. Оркестром записано более 50 компакт-дисков, в основном в сотрудничестве с компаниями “Marco Polo” и “Naxos”. Многие диски отмечены призами и наградами.


http://chekhovfest.ru/pages/viii-festival/sem-smertnyh-grehov.php

x-post chehfest

Жоан Ле Гийерм — один из первых выпускников Национального Центра цирковых искусств в Шалон-ан-Шампань (1989). В дальнейшем учился мастерству у канатоходца Эрни Кленеля из труппы «Белые дьяволы» и у чешского клоуна Ктибора Турба. Затем работал в труппе Аркаос, участвовал в создании Цирка «Вольер Дромеско» и «Цирка О». В 1994 году создает собственный проект «Цирк Иси», в 1995 выходит его первый моноспектакль «Где это?», а в 1996 году Жоан уже удостоен Национальной премии в области циркового искусства.

В 1999 Жоан Ле Гийерм совершает многомесячное кругосветное путешествие, осуществляет, по его собственному признанию, «встречу с планетой», изучая, в том числе, жизнь людей с ограниченными возможностями, а также условия существования разных племен.

В сотрудничестве с Парком Ля Виллетт и Цирком-театром д’Эльбёф Жоан Ле Гийерм представляет масштабный проект “Attraction” (Аттракцион), состоящий из 4-х частей, первой частью которого и стал спектакль «Секрет».
На реализацию проекта Жоан получил грант Ассоциации Бомарше. Премьера спектакля «Секрет» состоялась в 2003 году, а его постановщик получил Премию в области циркового искусства Французского Общества драматургов и композиторов.


x-post chehfest

ЦИРК ИСИ
Париж, Франция



дата: 7, 8, 10, 11, 12, 14, 15, 17, 18, 19, 22, 23, 25, 26, 27 июля
площадка: Музей-заповедник «Коломенское»
Продолжительность спектакля 1 час 40 мин. без антракта


Концепция, постановка и исполнение – Жоан Ле Гийeрм

Авторы музыкального сопровождения и исполнители:
Матье Верковски и Ги Ажаген



( над спектаклем работали )

Вырезки из газет

«В «Цирк Иси» он (Жоан Ле Гийерм) исполняет все роли. Он – укротитель и эквилибрист, он работает с объектами и животными. Он выходит на сцену в железных средневековых ботинках, издающих характерный металлический лязг. Но именно эта обувь позволяет ему исполнять чудесные эквилибристические номера. Например, невероятный проход по арене по горлышкам бутылок. (...)
Жоан Ле Гийерм – удивительный артист. На протяжении всего спектакля зрителя зачаровывает удивительный контраст между грубоватым образом героя и идеальной точностью его действий, между могучим телом персонажа и его волшебным обращением с предметами».

“Liberation”



«Жоан Ле Гийерм – достаточно суровый персонаж. Но он умеет творить настоящие чудеса. Железная балка становится живым, подвижным, самостоятельным существом в его руках. Он заставляет железные тазы вертеться как турецкие дервиши. Он строит из книг две огромные башни, и соединяет их высшие точки так, что строение не рушится. В конце спектакля своими руками он сооружает дивную конструкцию из досок, которая буквально танцует в пространстве. Самое удивительное в работе Жоана Ле Гийерма – это общение с материей. Он будто ведет бессловесный диалог с предметами, и те слушаются его. Во время спектакля «Цирк Иси» на арене шапито пишется история».

“Le Monde”


«Сегодня цирк может стать поводом для бесед и разговоров, только если представление действительно очень необычно. В случае со спектаклем «Секрет» Жоана Ле Гийерма мы имеем право говорить о бесконечной оригинальности. В начале создается
впечатление, будто мы присутствуем на монтаже какого-то артобъекта, а не на арене цирка. И, несмотря на то что спектакль очень продуман и структурирован, у зрителя создается впечатление некого хаоса, неупорядоченности действа. Артист поочередно становится дрессировщиком тазов и звериных шкур, наездником на удивительной лошади с сотней железных ножек, строителем готической арки из книг. Жоан Ле Гийерм похож одновременно на Леонардо да Винчи и на профессора из комиксов, ведь он создает прямо на глазах у зрителей удивительные объекты, которым трудно найти применение в жизни, но которые так подчеркивают акробатические таланты их создателя».

“Le Figaro Magazine”


http://chekhovfest.ru/pages/viii-festival/sekret.php

x-post chehfest

КОМПАНИЯ «СЕМЬ ПАЛЬЦЕВ НА РУКЕ»
Монреаль, Канада



дата: 6, 7, 8, 9, 10, 11, 12 июля
площадка: Центр им. Вс. Мейерхольда
Продолжительность спектакля 1 час 40 мин. с антрактом


Постановка — Компания «Семь пальцев на руке»
(Шана Кэролл, Изабель Шассе, Патрик Леонар, Фаон Шейн, Джипси Снайдер, Себастьен Солдевила, Самюэль Тэтрол)

Исполнители:
Себастьен Солдевила, Крин Хаглунд, Самюэль Тэтрол, Патрик Леонар, Изабель Шассе, Фаон Шейн, Эмили Бонаво, DJ Покет



( над спектаклем работали )


Смерть – это всего лишь кабаре, дружище, и уж точно не конец.
О чем этот спектакль? О безумии, о скорби, о скверном поведении, о боли, об авиакатастрофе, о романтической любви, которая вышла вся наперекосяк, но все это смешно, весело и очень сексуально. Действие спектакля «Жизнь» происходит в воображаемом чистилище, где грешные души кувыркаются, жонглируют, карабкаются, летают под куполом, поют, шутят – и все лишь для того, чтобы не угодить в конечном итоге в ад. Председательствует на этой жуткой пародии Страшного суда демонический церемониймейстер, и даже зрители не могут чувствовать себя в безопасности, когда он безжалостно взвешивает на руках души, чтобы решить, куда им следовать далее. Все, что происходит в течение этих девяноста минут – совершенно не предсказуемо, все балансирует на грани истерики, и, как это ни странно, все это очень трогательно.

( Дальше )


Вырезки из газет

«Невозможно с точностью определить жанровую природу спектакля «Жизнь» в постановке монреальской труппы «Семь пальцев руки». Определение, предлагаемое в буклете к спектаклю, а именно «черная комедия в стиле кабаре с элементами цирка, музыкального театра и балета», не только звучит излишне громоздко, но и упускает из виду один существенный элемент. Определим его так: «Невероятно смешно, безумно смешно! Великолепная возможность для взрослых людей весело провести вечер вне дома. Актеры отдают себя этому представлению
полностью, без остатка. Зрители в полном восторге!»

“Arts Festival Review”


«Жизнь — это изобретение труппы «Семь пальцев руки», талантливого ансамбля акробатов, в чьих представлениях сочетаются магия и комедия, танец и «живое» пение. Эти великолепные исполнители пикируют через сцену, балансируют на одной руке на плечах друг друга, свисают, скованные цепями, под потолком, жонглируют, обмениваются трюками по ходу одного номера. Все это брызжет через край и беспрестанно завораживает.
Жизнь – это грусть, безумие, боль; но все же она забавна, полна радости и очень сексуальна! В этом воображаемом чистилище грешные души прыгают, падают, жонглируют, поднимаются, летают и поют, стараясь избежать неотвратимого попадания в ад. В течение этих 90 минут безумия, сюрпризов и эмоций Жизнь опьяняет нас.
Это смелый, ночной спектакль, смесь музыки, театра, танца и акробатики, в нем – экзальтация цирка и интрига, и смелый юмор кабаре; сиюминутность и интимность театра».

“The Dominion Post”


«Жизнь» – это возвышенная эротическая мечта, гимн во славу жизни, смерти, искупления и любви. Божественное здесь преобладает над низменным».

“Talkin’ Broadway Off”


http://chekhovfest.ru/pages/viii-festival/zizn.php

x-post chehfest

Тикамацу Мондзаэмон

ТЕАТР БУНРАКУ
Япония



дата: 30 июня, 1, 2, 3, 4, 6, 7, 8 июля
площадка: Театр им. А.С. Пушкина
Продолжительность спектакля 1 час 30 мин. без антракта


Рассказчики:
Тоётакэ Саки-таю, Тоётакэ Ханафуса-даю, Такэмото Нанто-даю, Тоётакэ Сакихо-даю, Тоётакэ Нодзоми-даю

Исполнители на сямисэне:
Цурусава Сэйсукэ, Такэдзава Сосукэ, Цурусава Сэйсиро, Цурусава Сэйдзо, Цурусава Сэйко

( над спектаклем работали )


Бунраку – один из важнейших и почитаемых видов японского традиционного театра. В октябре 2003 года Бунраку был внесен ЮНЕСКО в список шедевров, подлежащих охране в соответствии с Конвенцией о защите нематериального культурного наследия.

Искусство кукольного театра в Японии имеет древнюю историю. Странствующие кукловоды разыгрывали представления, сопровождаемые пением, еще в VIII веке. Соединение кукольного представления с народным песенным сказом дзёрури, исполняемым под аккомпанемент сямисэна, относится к концу XVI – началу XVII в. Возникает новый жанр, в дальнейшем получивший название «Бунраку», названный по имени организатора и постановщика первых спектаклей Уэмуры Бунракукэна.

( О Бунраку )

Автор пьесы «Самоубийство влюбленных в Сонэдзаки» Тикамацу Мондзаэмон (1653-1724) – один из самых известных драматургов японской сцены. Он написал более 100 пьес для театра Бунраку и театра Кабуки. В традицию театра Бунраку он привнёс современные мотивы, черпая сюжеты непосредственно из жизни. Премьера пьесы «Самоубийство влюбленных в Сонэдзаки» состоялась в Осаке 7 мая 1703 года через месяц после трагической смерти прототипов главных героев. Изображение пылкой, романтической любви героев многим напоминало другую трагедию – «Ромео и Джульетта» У. Шекспира.
Сейчас Бунраку стал очень популярен за пределами Японии, последние годы он много гастролирует за рубежом, выступая на сценах США, Франции, Венгрии, Испании, Бразилии, Мексики, Кореи и других стран.


http://chekhovfest.ru/pages/viii-festival/bunraku.php

x-post chehfest

Алвис Херманис (р. 1965) – всемирно известный режиссер, художественный руководитель Нового рижского театра, лауреат высшей театральной награды Европы – Премии «Новая театральная реальность», и Российской национальной театральной премии «Золотая маска». Руководит Новым рижским театром с 1997 года. Наиболее известные постановки Алвиса Херманиса — «Ревизор» Н. Гоголя, «Долгая жизнь», «Соня» по Татьяне Толстой, «Звук тишины», «Латышская любовь». Спектакли режиссера регулярно приглашаются на международные театральные фестивали, в том числе, на Эдинбургский и Авиньонский фестивали. Лучшие спектакли Херманиса были показаны в Москве, и все они неизменно вызывали огромный интерес публики и прессы. «Рассказы Шукшина» — режиссерский дебют Херманиса в России.

Идея сегодня перенести на сцену знаменитые рассказы классика русской советской литературы Василия Шукшина принадлежит Алвису Херманису. Этого режиссера многие называют «новым гуманистом» мирового театра. Режиссерскую манеру Херманиса отличает пристальное внимание к повседневной жизни людей — сегодняшней или ставшей уже достоянием истории. Многие считают его театр «документальным», потому что режиссер высматривает, вычитывает, иногда даже выпытывает свои спектакли из реальности. Он ставит только о том, что знает и что помнит. В этом смысле российские зрители на его спектаклях оказываются в привилегированном положении. Ведь помним мы с ним примерно одно и то же, потому что выросли в общей стране. Однако память у Херманиса особая – очень внимательная к деталям, подробная, но лишенная как бесплодной ностальгии по прошлому, так и мстительного его отрицания. Еще у него особое чутье на театральную фальшь, на притворство, которое так часто делает театр несовременным и отпугивает от него молодежь.

По замыслу Алвиса Херманиса актеры не будут «изображать» крестьян из советской деревни 70-х годов. Они будут оставаться на сцене современными людьми, рассказывающими простые и трогательные человеческие истории, которые могут случиться с каждым и поэтому каждому понятны. Принцип режиссера — полностью сохранить авторский текст, поэтому спектакль не предполагает инсценировки.
Принцип оформления спектакля — минимализм и хай-тек одновременно. Деревянный пол, ряд деревянных лавок, на которых сидят актеры, а за их спинами — стена, состоящая из фотографий. Для каждого из десяти рассказов — своя композиция портретов реальных людей, которые сделала известный фотохудожник Моника Пормале.